Fotografía. Gonzalo González de Vega y Pomar

Entiendo la pintura como una forma de pensamiento y exploración artística. Cada obra nace de una intuición o una investigación y se desarrolla en diálogo con el lienzo. Trabajo principalmente con pintura al óleo sobre lienzo crudo y en gran formato, combinando dibujo, veladuras y color. La escala invita a cambiar de distancia y a dedicar tiempo a la mirada.

Mi obra explora el ser humano, la transformación y aquello que nos trasciende. A través de la pintura contemporánea, investigo arquetipos, símbolos y estructuras de pensamiento que atraviesan épocas y culturas. En cada obra, estas preguntas encuentran una formulación abierta.

Fotogra´fía. @isabelg_foto

El arquetipo

Hay estructuras que persisten. Cambian sus manifestaciones, sus contextos y sus lenguajes, pero conservan algo reconocible.

Jung entendió esta recurrencia como una manifestación del arquetipo: formas profundas de la psique que no poseen una imagen única, pero reaparecen bajo distintos rostros.

Me interesa trabajar precisamente en ese territorio. En Fighter, símbolos de lucha, belleza y transformación procedentes de imaginarios diversos convergen en una sola figura. En Ikigae, el cuerpo se convierte en territorio: tatuajes, animales y signos se superponen sobre la tabla desnuda hasta quedar reunidos bajo la resina.

No busco representar el arquetipo, sino observar cómo vuelve a tomar forma. La pintura recoge imágenes que parecen precedernos y las devuelve transformadas.

El camino

Todo camino comienza antes de dar el primer paso. Comienza en la posibilidad de elegir y en la intuición de otras direcciones.

El camino pertenece a los grandes arquetipos de la experiencia humana: búsqueda, prueba, pérdida, transformación y regreso. Recorrerlo supone atravesar distintos estados de uno mismo.

Los umbrales

El camino deja aquí de ser únicamente arquetipo para convertirse en experiencia. Despertar, Laberinto, Metamorfosis e Iluminación nacen de una misma búsqueda: cuatro estados de un recorrido interior que, desde la pintura, interroga qué significa atravesar la propia conciencia.

En la pintura, el símbolo deja de ser una referencia fija. Se desplaza, se superpone y se transforma hasta adquirir un nuevo sentido en las relaciones que establece la propia imagen. A medida que el recorrido avanza, también cambia mi manera de pintar: figura, arquitectura, puerta y círculo ceden progresivamente ante el color, la materia y la luz.

De Despertar a Iluminación, la transformación alcanza al propio lenguaje pictórico. Cada obra es un umbral: el camino no ofrece una respuesta, sino un espacio en el que la pintura continúa formulando la pregunta.

Despertar

Primera obra de la serie Los umbrales, Despertar aborda la toma de conciencia como inicio de una transformación. La composición se articula en torno a un círculo negro que concentra la mirada y establece una tensión con la densidad simbólica de la superficie.

La obra reúne referencias a la tradición mística y a la búsqueda de conocimiento. Su organización pictórica exige alternar la observación del conjunto con la lectura del detalle: cada aproximación modifica las relaciones entre las imágenes. El despertar adquiere así una dimensión perceptiva, vinculada a la capacidad de revisar aquello que creemos conocer.

Laberinto

En Laberinto, la composición pictórica organiza el espacio mediante correspondencias entre figuras angélicas, colores y jerarquías simbólicas. Esta estructura visual crea una arquitectura que evoca distintas tradiciones artísticas y espirituales de representación del mundo invisible.

Como segunda obra de la serie Los umbrales, Laberinto explora la pérdida de orientación como parte de un proceso de transformación interior. Las moradas de Santa Teresa y la noche de San Juan de la Cruz sirven como referencias para interpretar el espacio interior como un ámbito de tránsito, búsqueda y experiencia espiritual. La multiplicidad de relaciones visuales desplaza la atención entre el detalle y el conjunto, y mantiene abierta la interpretación de la obra.

Metamorfosis: pintura abstracta sobre transformación

En Metamorfosis, la figuración se disuelve entre veladuras y transparencias. La superposición de estratos cromáticos transforma la definición de las formas y sitúa la imagen en un estado de transición. En esta obra de arte contemporáneo, el núcleo negro concentra la composición y crea una pausa en la expansión del color.

Tercera obra de la serie Los umbrales, Metamorfosis aborda la transformación como un proceso de pérdida y aparición. La materia pictórica ocupa un lugar central: las relaciones entre profundidad, opacidad y luz hacen visible el tránsito entre distintos estados de la imagen.

Iluminación

Última obra de la serie Los umbrales, Iluminación concentra la investigación pictórica en las relaciones entre color, profundidad y luz. Las sucesivas veladuras atenúan los contornos y articulan un espacio en el que la luminosidad parece proceder del interior de la superficie.

La composición se organiza en torno a un centro luminoso cuya expansión transforma la percepción del conjunto. La progresiva disolución de las formas culmina el tránsito hacia la abstracción desarrollado en la serie. El color adquiere una función estructural y convierte la contemplación en una experiencia de profundidad y duración.

El ser

El rostro se ofrece como territorio de sedimentación: origen, memoria y experiencia se acumulan en una piel pictórica que el gesto fragmenta, vela y recompone.

Cada estrato conserva la huella de lo vivido sin llegar a encerrar aquello que somos.

El ser permanece mientras el cuerpo cambia.

Me interesa esa contradicción: reconocernos como la misma persona mientras el tiempo transforma aquello que vemos.

La belleza pertenece también a ese tiempo; aparece, cambia y acaba por escapar a cualquier intento de retenerla.

También me interesa aquello que en nosotros parece contradictorio. La fuerza no excluye la vulnerabilidad, como la quietud no niega la posibilidad de actuar. 

Quizá también seamos eso: aquello que podemos contener al mismo tiempo. Fuerza y fragilidad, disciplina e instinto, quietud y acción. No como opuestos que deban vencerse, sino como partes de una misma existencia.

Lo que nos transciende

Hay experiencias que no terminan en los límites de una vida. Permanecen en lo que otros recuerdan, en lo que una obra conserva, en aquello que somos capaces de transmitir y transformar.

Después de mirar hacia el ser y recorrer los caminos con los que intentamos comprenderlo, mi pintura se pregunta por aquello que lo excede y continúa más allá de él.

Lo que nos trasciende nace en ese territorio. No como una afirmación sobre lo que existe más allá, sino como una investigación sobre la permanencia, la huella y las formas en que una presencia puede seguir actuando cuando su tiempo ha pasado. La pintura tiene aquí una condición particular: puede volver sobre una imagen, separarla de su instante y hacerla presente de otra manera.

Es desde ahí desde donde surge Generación del 27. Tributo a Hernando Viñes. Una fotografía tomada en 1936 constituye el punto de partida, pero la obra no busca reproducir el documento. Archivo, memoria e investigación atraviesan la figuración; cada rostro incorpora la huella de una vida, de una obra y de aquello que sobrevivió a su propia ausencia.

La pintura desplaza así a sus protagonistas del tiempo de la fotografía para devolverlos al presente. No pinto aquí a quienes fueron, sino aquello que de ellos continúa siendo.

Inmaculada López Hernández. 

Arquitecta

Inmaculada López Hernández (Ávila, España) Arquitecta. Su práctica se desarrolla principalmente a través de la pintura al óleo, explorando las posibilidades de la imagen, el color y la materia entre la figuración y la abstracción.

Formada en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid, la composición, la escala y el espacio atraviesan su lenguaje pictórico. Su investigación se adentra en el ser, la identidad y la experiencia humana, recurriendo al símbolo y al arquetipo como formas que trascienden lo individual.

El color ocupa un lugar esencial en su obra: construye, transforma y desmaterializa la forma. En esa tensión entre presencia y abstracción, la pintura permanece como un territorio de descubrimiento.